Sejarah musik elektronik mendahului era rock and roll beberapa dekade. Sebagian besar dari kita bahkan tidak berada di planet ini ketika ia memulai perkembangannya yang sering tidak jelas, kurang dihargai, dan disalahpahami. Hari ini, kumpulan suara ‘dunia lain’ ini yang dimulai hampir seabad yang lalu, mungkin tidak lagi tampak aneh dan unik karena generasi baru telah menerima sebagian besar darinya sebagai aliran utama, tetapi memiliki jalan yang bergelombang dan, dalam menemukan penerimaan khalayak ramai, yang lambat.
Banyak musisi – pendukung musik elektronik modern – mengembangkan hasrat untuk synthesizer analog di akhir 1970-an dan awal 1980-an dengan lagu khas seperti terobosan Gary Numan, ‘Are Friends Electric?’. Di era inilah perangkat ini menjadi lebih kecil, lebih mudah diakses, lebih ramah pengguna, dan lebih terjangkau bagi banyak dari kita. Dalam artikel ini saya akan mencoba menelusuri sejarah ini dalam bab-bab yang mudah dicerna dan menawarkan contoh pendukung modern terbaik saat ini.
Menurut saya, ini adalah awal dari zaman baru. Untuk membuat musik elektronik, tidak perlu lagi memiliki akses ke ruangan penuh teknologi di studio atau live. Sampai sekarang, ini hanyalah domain seniman seperti Kraftwerk, yang gudang instrumen elektronik dan gadget yang dibuat khusus hanya dapat diimpikan oleh kita semua, bahkan jika kita dapat memahami logistik fungsinya. Karena itu, pada saat saya tumbuh di tahun 60-an & 70-an, saya hanya memiliki sedikit pengetahuan tentang kerumitan pekerjaan yang telah menjadi standar dalam beberapa dekade sebelumnya untuk sampai pada titik ini.
Sejarah musik elektronik berutang banyak pada Karlheinz Stockhausen (1928-2007). Stockhausen adalah seorang komposer Avante Garde Jerman dan tokoh perintis dalam musik elektronik sejak tahun 1950-an dan seterusnya, memengaruhi gerakan yang pada akhirnya akan berdampak kuat pada nama-nama seperti Kraftwerk, Tangerine Dream, Brain Eno, Cabaret Voltaire, Depeche Mode, belum lagi karya eksperimental The Beatles dan lainnya di tahun 1960-an. Wajahnya terlihat di sampul “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band”, The Beatles master Opus tahun 1967. Namun, mari kita mulai dengan melakukan perjalanan sedikit lebih jauh ke masa lalu.
Pergantian Abad ke-20
Waktu berhenti untuk pengamat bintang ini ketika saya awalnya menemukan bahwa konser pertama yang didokumentasikan, secara eksklusif elektronik, bukanlah pada tahun 1970-an atau 1980-an tetapi pada tahun 1920-an!
Instrumen elektronik murni pertama, Theremin, yang dimainkan tanpa sentuhan, ditemukan oleh ilmuwan dan pemain cello Rusia, Lev Termen (1896-1993), sekitar tahun 1919.
Pada tahun 1924, Theremin melakukan debut konsernya dengan Leningrad Philharmonic. Minat yang dihasilkan oleh theremin menarik penonton ke konser yang diadakan di seluruh Eropa dan Inggris. Pada tahun 1930, Carnegie Hall yang bergengsi di New York, mengalami pertunjukan musik klasik hanya dengan menggunakan rangkaian sepuluh theremin. Menyaksikan sejumlah musisi terampil memainkan instrumen yang terdengar menakutkan ini dengan melambaikan tangan di sekitar antenanya pasti sangat menggembirakan, nyata, dan asing bagi penonton pra-teknologi!
Bagi yang tertarik, lihat rekaman virtuoso Theremin Clara Rockmore (1911-1998). Rockmore (Reisenberg) kelahiran Lituania bekerja dengan penemunya di New York untuk menyempurnakan instrumen selama tahun-tahun awalnya dan menjadi pemain dan perwakilannya yang paling terkenal, cemerlang, dan diakui sepanjang hidupnya.
Dalam retrospeksi Clara, adalah ‘bintang’ musik elektronik asli pertama yang terkenal. Anda tidak mungkin menemukan pertunjukan musik klasik yang lebih menakutkan namun indah di Theremin. Dia pasti favorit saya!
Musik Elektronik dalam Fiksi Ilmiah, Sinema, dan Televisi
Sayangnya, dan terutama karena kesulitan dalam penguasaan keterampilan, masa depan Theremin sebagai alat musik berumur pendek. Akhirnya, ia menemukan ceruk dalam film-film Sci-Fi tahun 1950-an. Sinema klasik tahun 1951 “The Day the Earth Stood Still”, dengan soundtrack oleh komposer musik film Amerika yang berpengaruh Bernard Hermann (dikenal dengan “Psycho” karya Alfred Hitchcock, dll.), kaya dengan skor ‘luar angkasa’ menggunakan dua Theremins dan lainnya perangkat elektronik menyatu dengan instrumentasi akustik.
Dengan menggunakan teknologi osilator tabung hampa dari Theremin, pemain cello dan radio telegraf Prancis, Maurice Martenot (1898-1980), mulai mengembangkan Ondes Martenot (dalam bahasa Prancis, dikenal sebagai Gelombang Martenot) pada tahun 1928.
Menggunakan keyboard standar dan familiar yang bisa lebih mudah dikuasai oleh seorang musisi, instrumen Martenot berhasil dimana Theremin gagal menjadi user-friendly. Bahkan menjadi instrumen elektronik pertama yang berhasil digunakan oleh komposer dan orkestra pada masanya hingga saat ini.
Itu ditampilkan pada tema serial TV asli tahun 1960-an “Star Trek”, dan dapat didengar di rekaman kontemporer oleh orang-orang seperti Radiohead dan Brian Ferry.
Ondes Martenot multi-timbral ekspresif, meskipun monofonik, adalah instrumen terdekat dari generasinya yang pernah saya dengar yang mendekati suara sintesis modern.
“Planet Terlarang”, dirilis pada tahun 1956, adalah film studio komersial besar pertama yang menampilkan soundtrack elektronik eksklusif… selain memperkenalkan Robbie si Robot dan Anne Francis yang menakjubkan! Skor terobosan diproduksi oleh tim suami dan istri Louis dan Bebe Barron yang, pada akhir 1940-an, mendirikan studio rekaman milik pribadi pertama di AS yang merekam artis eksperimental elektronik seperti ikon John Cage (yang karya Avante Garde-nya menantang definisi musik itu sendiri!).
The Barron umumnya dikreditkan karena telah memperluas penerapan musik elektronik di bioskop. Sebuah besi solder di satu tangan, Louis membuat sirkuit yang dia manipulasi untuk menciptakan sejumlah besar efek dan motif yang aneh dan ‘tidak wajar’ untuk film tersebut. Setelah dilakukan, suara-suara ini tidak dapat direplikasi karena sirkuit akan dengan sengaja membebani, mengeluarkan asap, dan terbakar untuk menghasilkan hasil suara yang diinginkan.
Akibatnya, mereka semua direkam ke kaset dan Bebe menyaring berjam-jam gulungan yang diedit apa yang dianggap dapat digunakan, kemudian memanipulasi ulang ini dengan penundaan dan gaung dan secara kreatif menjuluki produk akhir menggunakan beberapa dek kaset.
Selain metode kerja yang melelahkan ini, saya merasa terdorong untuk memasukkan apa yang bisa dibilang, tanda tangan televisi elektronik paling abadi dan berpengaruh yang pernah ada: tema serial petualangan Sci-Fi Inggris tahun 1963 yang sudah berjalan lama, “Dr. Who”. Ini adalah pertama kalinya serial televisi hanya menampilkan tema elektronik. Tema untuk “Dr. Who” dibuat di BBC Radiophonic Workshop yang legendaris menggunakan tape loop dan test oscillator untuk menjalankan efek, merekamnya ke tape, kemudian dimanipulasi ulang dan diedit oleh pelopor Electro lainnya, Delia Derbyshire, menafsirkan komposisinya. dari Ron Grainer.
Seperti yang Anda lihat, penggunaan umum musik elektronik dalam Sci-Fi vintage adalah sumber utama persepsi masyarakat umum tentang musik ini sebagai ‘dunia lain’ dan ‘suara asing-aneh’. Hal ini tetap terjadi hingga setidaknya tahun 1968 dengan perilisan album hit “Switched-On Bach” yang dilakukan sepenuhnya pada synthesizer modular Moog oleh Walter Carlos (yang, dengan sedikit operasi, kemudian menjadi Wendy Carlos).
Tahun 1970-an memperluas profil musik elektronik dengan terobosan band-band seperti Kraftwerk dan Tangerine Dream, dan terutama tahun 1980-an ketika menemukan penerimaan yang lebih umum.
Pertengahan 1900-an: Beton Musik
Dalam perkembangannya hingga tahun 1900-an, musik elektronik tidak hanya terbatas pada sirkuit elektronik yang dimanipulasi untuk menghasilkan suara. Kembali pada tahun 1940-an, penemuan Jerman yang relatif baru – tape recorder reel-to-reel yang dikembangkan pada tahun 1930-an – menjadi topik yang menarik bagi sejumlah komposer Eropa Avante Garde, terutama penyiar dan komposer radio Prancis Pierre Schaeffer (1910 -1995) yang mengembangkan teknik montase yang disebutnya Musique Concrete.
Musique Concrete (artinya suara ‘dunia nyata’ yang ada sebagai lawan dari suara buatan atau akustik yang dihasilkan oleh alat musik) secara luas melibatkan penyambungan segmen pita rekaman yang berisi suara ‘ditemukan’ – alam, lingkungan, industri dan manusia – dan memanipulasi ini dengan efek seperti delay, reverb, distorsi, mempercepat atau memperlambat tape-speed (varispeed), membalikkan, dll.
Stockhausen benar-benar mengadakan konser menggunakan karyanya Musique Concrete sebagai backing tape (pada tahap ini suara elektronik dan ‘dunia nyata’ digunakan pada rekaman) di atas instrumen live yang akan dibawakan oleh pemain klasik menanggapi suasana hati dan motif mereka. mendengar!
Musique Concrete memiliki pengaruh yang luas tidak hanya pada perpustakaan Avante Garde dan efek, tetapi juga pada musik kontemporer tahun 1960-an dan 1970-an. Karya-karya penting yang harus diperiksa adalah penggunaan metode ini oleh The Beatles dalam lagu-lagu inovatif seperti ‘Tomorrow Never Knows’, ‘Revolution No. 9’ dan ‘Being for the Benefit of Mr. Kite’, serta album Pink Floyd “Umma Gumma”, “Sisi Gelap Bulan”, dan “Kuah Kental” karya Frank Zappa. Semua tape cut-up bekas dan loop tape buatan sendiri sering dimasukkan langsung ke mixdown utama.
Hari ini hal ini dapat dilakukan dengan sederhana menggunakan pengambilan sampel digital, tetapi para pahlawan kemarin bekerja berjam-jam, berhari-hari, dan bahkan berminggu-minggu untuk mungkin menyelesaikan karya empat menit! Bagi kita yang merupakan musisi kontemporer, memahami sejarah musik elektronik membantu dalam mengapresiasi lompatan kuantum yang telah dilakukan teknologi pada periode belakangan ini. Tetapi para inovator awal ini, para pionir ini – yang masih banyak lagi di kemudian hari – dan tokoh-tokoh penting yang mereka pengaruhi sebelum kita, menciptakan landasan revolusioner yang telah menjadi warisan musik elektronik kita hari ini dan untuk ini saya memberi mereka penghormatan!
1950-an: Komputer Pertama dan Synth Play Music
Maju beberapa tahun ke tahun 1957 dan memasukkan komputer pertama ke dalam campuran elektronik. Seperti yang dapat Anda bayangkan, itu bukan perangkat laptop portabel tetapi menghabiskan seluruh ruangan dan ramah pengguna bahkan bukan sebuah konsep. Meskipun demikian orang-orang kreatif terus mendorong batas-batas. Salah satunya adalah Max Mathews (1926 -) dari Bell Telephone Laboratories, New Jersey, yang mengembangkan Music 1, program musik asli untuk komputer yang menjadi dasar semua sintesis digital berikutnya. Mathews, dijuluki ‘Bapak Musik Komputer’, menggunakan IBM Mainframe digital, adalah orang pertama yang mensintesis musik di komputer.
Dalam klimaks film Stanley Kubrik tahun 1968 ‘2001: A Space Odyssey’, penggunaan lagu elektronik Mathews tahun 1961 dari lagu akhir tahun 1800-an ‘Daisy Bell’ digunakan. Di sini iringan musik dilakukan oleh mainframe terprogramnya bersama dengan teknik suara ‘bernyanyi’ manusia yang disintesis komputer yang dirintis pada awal tahun 60-an. Dalam film tersebut, saat HAL komputer mengalami kemunduran, ‘dia’ beralih ke lagu ini, sebagai penghormatan kepada asal ‘nya’ sendiri.
1957 juga menyaksikan synth canggih pertama, RCA Mk II Sound Synthesizer (peningkatan dari aslinya tahun 1955). Itu juga menampilkan sequencer elektronik untuk memprogram pemutaran pertunjukan musik. RCA Synth yang masif ini dipasang, dan masih ada, di Pusat Musik Elektronik Columbia-Princeton, New York, tempat Robert Moog yang legendaris bekerja untuk sementara waktu. Universitas dan laboratorium Teknologi adalah rumah utama untuk eksperimen musik synth dan komputer di era awal itu.
1960-an: Fajar Zaman Moog
Logistik dan kompleksitas komposisi dan bahkan memiliki akses ke apa, sampai saat itu, synthesizer yang tidak bersahabat dengan musisi, menyebabkan permintaan akan instrumen yang lebih portabel dan dapat dimainkan. Salah satu yang pertama merespons, dan pasti yang paling berhasil, adalah Robert Moog (1934-2005). Synth yang dapat dimainkannya menggunakan keyboard gaya piano yang sudah dikenal.
Jenis plug-in kabel modular dari operator telepon Moog yang besar bukanlah sesuatu yang dapat diangkut dan diatur dengan mudah atau cepat! Tapi popularitasnya meningkat pesat dengan kesuksesan Walter Carlos, seperti yang disebutkan sebelumnya, pada tahun 1968. Rekor terlaris LP (Pemain Panjang) miliknya “Switched-On Bach” belum pernah terjadi sebelumnya karena ini adalah pertama kalinya sebuah album muncul sepenuhnya. musik yang disintesis, sebagai lawan dari karya suara eksperimental.
Album ini adalah pertunjukan musik klasik yang kompleks dengan berbagai multi-track dan overdub yang diperlukan, karena penyintesisnya hanya monofonik! Carlos juga menciptakan musik elektronik untuk “A Clockwork Orange”, film futuristik Stanley Kubrik tahun 1972 yang menggelisahkan.
Dari titik ini, synth Moog lazim di sejumlah album kontemporer akhir 1960-an. Pada tahun 1967 “Pisces, Aquarius, Capricorn & Jones Ltd” Monkees menjadi rilisan album pop komersial pertama yang menampilkan Moog modular. Nyatanya, penyanyi/drummer Mickey Dolenz membeli salah satu unit pertama yang terjual.
Namun, baru pada awal 1970-an, ketika Minimoog pertama kali muncul, minat berkembang secara serius di kalangan musisi. Unit kecil portabel dengan suara yang gemuk ini memiliki pengaruh yang signifikan menjadi bagian dari perlengkapan musik live bagi banyak musisi tur di tahun-tahun mendatang. Perusahaan lain seperti Sequential Circuits, Roland dan Korg mulai memproduksi synth mereka sendiri, melahirkan subkultur musik.
Namun, saya tidak dapat menutup bab tentang tahun 1960-an tanpa mengacu pada Mellotron. Instrumen elektronik-mekanis ini sering dipandang sebagai pendahulu primitif dari sampler digital modern.
Dikembangkan di Inggris awal 1960-an dan berdasarkan Chamberlin (instrumen rumit yang dirancang AS dari dekade sebelumnya), keyboard Mellotron memicu kaset yang direkam sebelumnya, setiap tuts sesuai dengan nada dan nada yang setara dari instrumen akustik yang dimuat sebelumnya.
Mellotron legendaris untuk digunakan pada lagu The Beatles tahun 1966 ‘Strawberry Fields Forever’. Bank pita seruling digunakan pada pengantar menghantui yang dimainkan oleh Paul McCartney.
Popularitas instrumen berkembang pesat dan digunakan pada banyak rekaman di era tersebut seperti epik Moody Blues yang sangat sukses ‘Nights in White Satin’. Tahun 1970-an melihatnya semakin banyak diadopsi oleh band-band rock progresif. Pelopor elektronik Tangerine Dream menampilkannya di album awal mereka.
Seiring waktu dan kemajuan lebih lanjut dalam teknologi microchip, instrumen menawan ini menjadi peninggalan zamannya.
1970-an: Kelahiran Band Elektronik Antik
Album cair awal Tangerine Dream seperti “Phaedra” dari tahun 1974 dan karya Brian Eno dengan ‘musik ambien’ ciptaannya sendiri dan di album “Heroes” David Bowie, semakin menarik minat pada penyintesis dari musisi dan penonton.
Kraftwerk, yang album mani tahun 1974-nya “Autobahn” mencapai kesuksesan komersial internasional, menggunakan media ini lebih jauh dengan menambahkan presisi, ketukan dan ritme elektronik yang berdenyut, dan melodi synth yang luhur. Minimalisme mereka menunjukkan dunia perkotaan yang dingin, industri, dan terkomputerisasi. Mereka sering menggunakan vocoder dan perangkat sintesis ucapan seperti robot emulator suara ‘Berbicara dan Eja’ yang cantik, yang terakhir menjadi alat bantu belajar anak-anak!
Terinspirasi oleh karya elektronik eksperimental Stockhausen, sebagai seniman, Kraftwerk adalah orang pertama yang berhasil menggabungkan semua elemen musik dan kebisingan yang dihasilkan secara elektronik dan menghasilkan format lagu yang mudah dikenali. Penambahan vokal di banyak lagu mereka, baik dalam bahasa asli Jerman dan Inggris, membantu mereka mendapatkan pengakuan universal sebagai salah satu pelopor dan pemain musik kontemporer paling berpengaruh selama setengah abad terakhir.
Permata Kraftwerk tahun 1978 ‘Das Modell’ mencapai tempat nomor satu di Inggris dengan versi bahasa Inggris yang diterbitkan ulang, ‘The Model’, pada Februari 1982, menjadikannya salah satu pemuncak tangga lagu Elektro paling awal!
Ironisnya, dibutuhkan gerakan yang tidak ada hubungannya dengan EM (Electronic Music) untuk memfasilitasi penerimaan arus utama yang lebih luas. Gerakan punk pertengahan 1970-an, terutama di Inggris, membawa serta sikap baru yang unik: sikap yang mengutamakan ekspresi diri daripada ketangkasan penampilan dan pelatihan formal, seperti yang diwujudkan oleh musisi rock progresif kontemporer. Agresi awal punk metalik berubah menjadi bentuk yang kurang abrasif selama akhir 1970-an: New Wave. Ini, dicampur dengan keterjangkauan komparatif dari banyak synthesizer kecil yang mudah digunakan, menyebabkan ledakan synth komersial di awal 1980-an.
Generasi baru anak muda mulai mengeksplorasi potensi instrumen ini dan mulai menciptakan soundscapes yang menantang perspektif musik kontemporer yang berlaku. Ini tidak datang tanpa bekas luka pertempuran. Pendirian industri musik, terutama di medianya, sering mencemooh bentuk ekspresi dan penyajian baru ini dan sangat ingin membuangnya ke tong sampah sejarah.
1980-an: Era Emas Pertama Musik Elektronik untuk Massa
Gary Numan bisa dibilang menjadi megastar synth komersial pertama dengan hit “Tubeway Army” tahun 1979 ‘Are Friends Electric?’. Elemen Sci-Fi tidak terlalu jauh lagi. Beberapa gambar diambil dari film klasik Fiksi Ilmiah, “Do Android’s Dream of Electric Sheep?”. Film hit tahun 1982 “Blade Runner” juga didasarkan pada buku yang sama.
Meskipun ‘Apakah Teman Listrik?’ menampilkan dukungan drum dan bass konvensional, penggunaan Polymoogs yang dominan memberikan suara yang sangat khas pada lagu tersebut. Rekaman itu adalah rilis berbasis synth pertama yang mencapai status tangga lagu nomor satu di Inggris selama tahun-tahun pasca-punk dan membantu mengantarkan genre baru. Musik elektronik dan/atau synthesizer tidak lagi diasingkan ke arus utama. Seru!
Perkembangan lebih lanjut dalam teknologi elektronik yang terjangkau menempatkan elektronik tepat di tangan pencipta muda dan mulai mengubah studio profesional.
Dirancang di Australia pada tahun 1978, Fairlight Sampler CMI menjadi instrumen pengambilan sampel digital polifonik pertama yang tersedia secara komersial, tetapi biayanya yang mahal membuatnya hanya digunakan oleh orang-orang seperti Trevor Horn, Stevie Wonder, dan Peter Gabriel. Namun, pada pertengahan dekade, instrumen yang lebih kecil dan lebih murah memasuki pasar seperti Akai dan Emulator Samplers yang ada di mana-mana yang sering digunakan oleh musisi live untuk mereplikasi suara rekaman studio mereka. Sampler merevolusi produksi musik sejak saat itu.
Di sebagian besar pasar utama, dengan pengecualian yang memenuhi syarat di AS, awal 1980-an secara komersial ditarik ke artis yang dipengaruhi elektro. Ini adalah era yang menyenangkan bagi banyak dari kita, termasuk saya sendiri. Saya tahu saya tidak sendirian dalam menutup gitar dan ampli yang terdistorsi dan membenamkan diri ke dalam dunia baru ekspresi musik – dunia suara yang abstrak dan non tradisional.
Di rumah, band-band berbasis synth Australia Real Life (album ‘Send Me An Angel’, “Heartland”), Icehouse (‘Hey Little Girl’) dan Pseudo Echo (‘Funky Town’) mulai memetakan secara internasional, dan pakaian elektronik yang lebih eksperimental seperti Putus Kepala dan SPK juga mengembangkan pengikut sekte di luar negeri.
Namun pada pertengahan dekade, gelombang elektronik global pertama kehilangan momentumnya di tengah penolakan yang dipicu oleh media musik jadul yang tak henti-hentinya. Sebagian besar artis yang memulai dekade ini sebagai berbasis elektro baik yang hancur atau sangat hibrid suara mereka dengan instrumentasi rock tradisional.
Amerika Serikat, pasar dunia terbesar dalam segala hal, tetap berada di sayap musik konservatif untuk sebagian besar tahun 1980-an. Meskipun rekaman berbasis synth benar-benar mencapai tangga lagu Amerika, yang pertama adalah puncak tangga lagu AS tahun 1982 Human League ‘Don’t You Want Me Baby?’, secara keseluruhan itu terjadi beberapa tahun lagi sebelum arus utama Amerika memeluk musik elektronik, pada saat itu mengkonsolidasikan dirinya sebagai genre dominan untuk musisi dan penonton, di seluruh dunia, untuk informasi lebih lengkapnya di https://kabarandroid.com.
1988 merupakan tahun yang menentukan bagi musik elektronik di AS. Sering difitnah oleh pers di tahun-tahun awal mereka, Depeche Mode-lah yang secara tidak sengaja – dan sebagian besar tidak sadar – mempelopori serangan baru ini. Dari status kultus di Amerika selama sebagian besar dekade, rotasi permainan tinggi baru mereka di apa yang sekarang disebut radio Modern Rock menghasilkan pertunjukan di stadion besar. Tindakan Electro yang bermain di arena yang terjual habis bukanlah tarif umum di AS pada saat itu!
Pada tahun 1990, kekacauan penggemar di New York untuk menyambut para anggota di toko rekaman pusat menjadi berita TV, dan album “Violator” mereka yang terjual lebih banyak dari Madonna dan Prince di tahun yang sama menjadikan mereka nama rumah tangga AS. Musik elektronik akan tetap ada, tanpa diragukan lagi!
1990-an Selanjutnya: Era Emas Kedua Musik Elektronik untuk Massa
Sebelum ‘musik bintang’ kami mendapatkan cengkeramannya di arus utama AS, dan sementara kehilangan landasan komersial di tempat lain di sebagian besar pertengahan 1980-an, Detroit dan Chicago menjadi laboratorium sederhana untuk ledakan Musik Elektronik yang akan terjadi di sebagian besar tahun 1990-an dan seterusnya. Masukkan Techno dan House.
Detroit pada 1980-an, sebuah gurun industri AS pasca-Fordisme, menghasilkan Techno yang dipengaruhi Eropa yang lebih keras. Pada awal hingga pertengahan 80-an, Detroiter Juan Atkins, seorang penggemar Kraftwerk yang obsesif, bersama dengan Derrick May dan Kevin Saunderson – menggunakan peralatan primitif yang sering dipinjam – membentuk tulang punggung dari apa yang akan menjadi, bersama dengan House, budaya klub musik yang dominan di seluruh dunia. Dunia. Artis yang sangat direferensikan yang menginformasikan perkembangan Techno awal adalah perintis Eropa seperti Kraftwerk yang disebutkan di atas, serta Yello dan British Electro bertindak seperti Depeche Mode, Human League, Heaven 17, New Order, dan Cabaret Voltaire.
Chicago, yang berjarak empat jam berkendara, secara bersamaan melihat perkembangan House. Nama tersebut umumnya dianggap berasal dari “The Warehouse” di mana berbagai DJ-Produser menampilkan campuran musik baru ini. House berakar pada disko tahun 1970-an dan, tidak seperti Techno, biasanya memiliki beberapa bentuk vokal. Saya pikir karya Giorgio Moroder di pertengahan 70-an dengan Donna Summer, terutama lagu ‘I Feel Love’, sangat penting dalam mengapresiasi pengaruh disko 70-an pada perkembangan Chicago House.
Segudang varian dan sub genre telah berkembang sejak itu – melintasi Atlantik, dikerjakan ulang, dan kembali lagi – tetapi dalam banyak hal kesuksesan populer dari dua bentuk inti ini merevitalisasi seluruh lanskap Elektronik dan budaya sosial yang terkait. Techno dan House membantu menantang arus utama dan Rock Alternatif sebagai pilihan mendengarkan yang lebih disukai untuk generasi baru: generasi yang tumbuh dengan musik elektronik dan menerimanya begitu saja. Bagi mereka, itu adalah musik yang selalu ada.
Sejarah musik elektronik terus ditulis seiring kemajuan teknologi dan ekspektasi orang-orang tentang ke mana arah musik terus mendorongnya ke depan, meningkatkan kosa kata dan leksikonnya.
Jika Anda ingin mencari informasi teknologi terbaru dan terlengkap Anda dapat mengunjungi Berita edukasi terlengkap.
